Известный французский скульптор Жак-Луи Готье родился в Париже в 1831 году, с ранних лет учился ремеслу у скульптора Рюда. Созданная Готье в 1870 году скульптура "Дон Кихот" стала самым удачным и знаменитым его произведением. В том же году автором была создана также скульптура "Мефистофель", символизировавшая Зло и ставшая парной к противопоставленной ей статуэтке "Дон Кихот", которая символизирует Добро.

Эту пару начали отливать в чугуне в России с 1887 года на производстве в Касли, по оригинальной модели Готье. Чугунную статуэтку Дон Кихота выпускали более века, оригинальность модели и утонченность формы гарантировали статуэтке большой успех. Эта чугунная статуэтка стала одной из самых востребованных каслинских моделей и отлично продавалась.

В нашем магазине представлена статуэтка, исполненная в бронзе, которая встречается чрезвычайно редко. Ознакомиться со статуэткой вы можете в разделе"статуэтки из металла" нашего сайта.

Под влиянием движения «Искусство и ремесла» и поклонников стиля модерн, которые выступали за возвращение к простым материалам, американские дизайнеры первых двух десятиле­тий XX в. старались обойтись без фанеровки столов и предпочитали кривые линии и открытые соединения деталей.

В Европе в эти годы доминировал стиль модерн. Массивные обеденные столы не удовлетворяли требованиям этого стиля, но мебельные мастера в крупных центрах, таких как Париж, Вена, Нан­си, Мюнхен, Брюссель и Милан, изготовляли пристеночные и чайные столики оригинальной формы и тем не менее не порывали с тради­циями прошлого.

Многие столики в стиле модерн имеют резные ножки, стилизован­ные под стебли растений, и крышки, украшенные инкрустированными цветами, а вот столик на трех ножках мастера Эмиля Галле (1846-1904) напоминает неоклассические одностоечные столы; столик Луи Мажореля с искривленными ножками, украшенными орхидеями с искусственной позолотой, ближе к сти­лю рококо. В Италии Бугатти делал ко­фейные столики под Муриша.

Большие столы в стиле модерн встречаются очень ред­ко; коллекционеру проще найти небольшие пристеночные столи­ки или столики для особых целей.

Хотя некоторые мастера, например Луи Мажорель, продолжали работать в стиле модерн до 1930-х гг., период с 1920 по 1940 г. прошел под знаками модернизма и ар деко. Для столов эпохи модернизма характерны строгие формы, крышки из доски или стекла и рамы из гнутых стальных трубок. Представители ар деко сочетали в своих изделиях дорогую древесину и шпон с таким материалом, как многослойная фанера. Они также украшали столы металлическими вставками под серебро или золото.

Такая мебель должна была соединить традиционное удобство и рос­кошь с модой на абстрактные формы. Обеденные и пристеночные столы украшали только шпоном ценных пород. Они стояли на прос­тых ножках или U-образных подставках. Дизайнеры стиля ар деко ввели моду на низкие и длинные кофейные столики, которые обыч­но ставили перед диваном.

В те времена в США люди жили в основном в квартирах, а не част­ных домах, и возникла необходимость в обеденных столах, которые могли бы экономить место. В 1920-1940-х гг. пользовались популяр­ностью раздвижные столы массового производства. Их крышка состояла из трех секций, лежащих на прямоугольной раме. Две внеш­них секции крепились к скользящим в пазах горизонтальным балкам. Когда стол нужно было раздвинуть, внешние секции растягивали, освобождая место для центральной секции. Вскоре такая практичная конструкция оказалась востребованной и в Европе.

Расцвет в Европе стилей модерн и ар деко привел к появлению чрезвычайно экзотических горок, гардеробов, буфетов и книж­ных шкафов. Во Франции начала века Карабин, Шарпантье и Галле вырезали на своих асимметричных горках и книжных шка­фах символические изображения растений и обнаженных женщин. Другие корифеи стиля модерн, такие как Гектор Гимар, Луи Мажорель, Анри Ван де Вельде, конструировали для своих заказчиков прекрас­ную корпусную мебель из сандала и ореха. Венский мастер Мозер делал угловатые горки с абстрактным орнаментом, в которых угадывается будущий стиль ар деко. В 1920-х гг. конструк­тивист Ле Корбюзье, работавший вместе с Шарлоттой Перрьян, изготовлял стенки из кубических фрагментов, расположенных в раз­личном порядке. В то время в Париже ирландский дизайнер Айлин Грей создавала богато украшенные лакиро­ванные горки.

Англичане никогда не увлекались стилем модерн так горячо, как мастера других стран Северной Европы; в мебели, в частности, его влияние сказывалось не на общем облике изделия, а лишь в плавных линиях резных украшений. Изображенный на картинке сервант первого десятилетия XX в. ярко это демонстрирует.

Коллекционирование керамических чайников привлекательно тем, что их можно покупать по отдельности за умеренную цену, тогда как коллекционерам чашек зачастую приходится оплачивать целые наборы. Кроме того, выставленные чайники укра­шают интерьер помещения. Они очень сложны в изготовлении: носик и ручку вылепляют отдельно и за­тем прикрепляют к корпусу. Отдельно делают и крышку, и она должна точно подходить по размеру к верхнему отверстию. По­этому старинные чайники представляют собой пример высокого мастерства гончаров. Чайники делали разных размеров и в разных стилях, использовали для них различные глазури и виды украшений, что позволяло гончарам в полной мере проявлять свой вкус и фантазию. Многие следовали образцам традиционных металличе­ских чайников. Другие же, особенно к концу XIX в., восприняли японскую моду, и стали появляться изделия необычной формы, как правило, изготовляемые из майолики.

В 1920-1930 гг., в период господства стиля ар деко, чайники украшали лепными изображениями, поэтому они выглядели грубовато, а фантазия художников не знала предела. «Оригинальные» чайники имели форму ге­-роев детских стихов, например, Шалтая-Болтая или мультипликационных персонажей вроде Дональда Дакка.

Изображенный на картинке чайник в восточном стиле с ручками, имитирующими ветви бамбука, создан Кристофером Дрессером (1854-1904)- чьи произведения в различных материалах (керамике, серебре, тканях) имели большое влияние на современников. Он считал, что форма и назначение изделия должны быть связаны и что у изделий массового производства может быть хороший дизайн.

В середине 19 века Минтон разработал керамику, покрытую свин­цовой глазурью, которая известна под названием «майолика», потому что кремово-желтый цвет материала должен был под­черкнуть рельефные узоры, плотные цвета росписи и толстый слой глазури, которые вызывали в памяти итальянскую майолику 16 века. Мас­тера из Франции, Швеции и США подхватили идею Минтона и начали производить самые различные предметы - от чайников до цветоч­ных ваз, кашпо и крупных изделий для оранжерей и садов: жардиньерки, вазы для фруктов, скамьи. Их делали в самых разных стилях от японского до модерна, и именно эти два последних стали чрезвычайно популяр­ны на рубеже XIX и XX вв. Для майолики были характерны пластическое своеобразие, плотная сверкающая глазурь и необычные формы.

Майолика позволяет реалистично передать форму и строение поверхности живых существ. Статуэтка обезьяны, изображенная на картинке была изготовлена в Португалии.

Самыми распространенными ювелирными изделиями 19 века яв­ляются медальоны. Эти простые украшения изготовляли из золота, серебра, гагата и даже из стали. Их покрывали гравиров­кой или эмалью и иногда инкрустировали драгоценными камнями. Медальоны носили открыто как знак скорби или скры­вали под платьем как знак любви. В них часто держали прядь волос близкого человека, а позже - небольшую фотографию.

К 1871 году на­ладили массовое производство медальонов, и они стали настолько популярны, что были у всех - от служанки до госпожи. Но излишняя популярность обычно свидетельствует о скором конце моды, и их перестали носить. Медальоны можно было встретить только на шеях совсем юных девушек, которым еще не разрешали украшать себя настоящи­ми драгоценностями.

Некоторые из изображенных на картинке медальонов с локоном волос носили в память об умерших, в другие помещали фотографии любимых. Большинство крепили на шейной цепочке, но были медальоны, которые носили как броши.