В ХVIII-ХIХ вв. в крупных европейских городах лишь малая толи­ка мебели выходила из-под инструментов выдающихся мебельных мастеров. Большинство людей либо делали себе ме­бель сами, либо покупали простые изделия местных ремесленников. Провинциальная, или деревенская, мебель изготовлялась по модным образцам, пик популярности которых прошел еще три десятка лет на­зад, или ее делали в старых добрых традициях. Некоторые стулья деревенского стиля были выполнены столь хорошо и были настоль­ко удобны, что даже представители зажиточных слоев покупали их для своих городских домов, хотя пользовались ими не в официальной обс­тановке, или для кухонь сельских особняков. Орех и красное дерево были слишком дорогим материалом, и в дело, где это было воз­можно, шел дуб. В США и Европе стулья также делали из вяза, бука, тиса и различных фруктовых деревьев.

Качественную продукцию мастеров деревенского стиля сейчас охотно коллекционируют, особенно на их родине, хотя все больше предметов вывозится за границу. В Великобритании прекрасным примером деревенской мебели стали прочные, це­ликом сделанные из дерева виндзорские стулья. Их, похоже, не касаются прихоти мо­ды, и они остаются популярными вот уже не одно столетие. Их облик несколько различается в зависимости от места изготовления, но обычно у них сиденье из вяза, спинка и подлокотники вы полнены из гнутого пропаренного тиса, а ножки и распорки из точеного бука. Деревенскую мебель, если и украшали, то только небольшим количеством резьбы. Некоторые стулья красили в черный или зеленый цвета.

Сама природа драгоценных и полудра­гоценных материалов, используемых при изготовлении украшений из них, диктует высокие цены на экземпляры для коллекции антиквариата.

Лишь немногие ювелирные изделия до XVIII в. могут попасть в руки обычного коллекционера. Даже если бы они были доступны - а большинство из них хранятся под стеклом на стендах музеев и крупнейших коллекций, - они бы стоили так дорого, что были бы по карману только самым бо­гатым людям.

В настоящее время собиратели ювелирных изделий сосредоточивают внимание на вещах, созданных полукустарным способом в течение XIX в. и на дизайнер­ских работах конца XIX и начала XX в. Но и это помогает многое узнать о традициях, о которых сообщают эти достаточно скромные предметы.

Период с образования первой Французской империи (1804) до завершения эпохи Регентства принца Уэльского в Англии (1820) был золотым веком ювелиров. Это тем бо­лее удивительно, что в период Французской революции 1789-1794 гг. фортуна от них отвернулась. Обладание дра­гоценностями не только указывало на аристократическое положение, они были символом монархии: в условиях яко­бинского террора владелец даже безделушки мог легко попасть на гильотину.

У многих аристократов ювелирные украшения были кон­фискованы революционерами, а те, кто эмигрировал, увез драгоценности с собой в изгнание. На европейский рынок попали многие из этих вещей, и цены, естественно, упали. В Париже единственными доступными украшениями были железные кольца со штампованными на них революцион­ными фразами или портретами вождей.

Мода на аскетизм быстро прошла с началом правления Наполеона. Из камней, оставшихся от французских коро­лей, были сделаны украшения в неоклассическом стиле, и император поощрял ношение придворными роскошных драгоценностей. Стали привычными гарнитуры, состоя­щие из колье, браслетов, серег и диадемы с одинаковыми камнями. Сам император очень любил камеи, и его вторая жена Мария-Луиза получила гарнитур с 24 старинными камеями из коллекции французских королей.

Несмотря на войну между государствами, английские женщины и ювелиры внимательно следили за модами но­вого французского двора. Однако англичане не восприняли французский вкус к «тяжелым», официозным украшениям, в частности, к гарнитурам с бриллиантами. Им были боль­ше по душе нитки жемчуга и украшения, которые называли «языком камней». Камни были расположены так, что их на­чальные буквы образовывали слово. Например, из первых букв английских слов, обозначавших лазурит, опал, позо­лоченную бронзу и изумруд, складывалось слово «love», то есть «любовь». Другим аксессуаром английских дам высше­го света на балах и обедах была «спартанская диадема» - тиара, заканчивающаяся острием, со сверкающими «капля­ми» драгоценных камней.

С падением Наполеона Франция оказалась на грани банк­ротства, и у немногих было достаточно средств, чтобы покупать драгоценности. Приходилось приспосабливаться, и для ювелирных изделий стали использовать больше са­моцветов и дешевый жемчуг, нанизанный на шелковую нить или конский волос. Ближе к середине века и в осталь­ные европейские страны пришла та же мода.

Хотя ар деко считается стилем, который господствовал в 1920-1930-х гг., он зародился в последние годы XIX в., когда очень популярен был модерн. В это время внимание художественного мира было привлечено к примитивному и древнему искусству. Западные художники и дизайне­ры в поисках «новых» мотивов и форм обратились к искусству африканских племен, к архи­тектуре ацтеков и майя, греческой и римской скульптуре и египетским иероглифам. Открытие в 1922 г. гробницы Тутанхамона, где были найдены удивительные произведения искусства, вызвало поголовное увлечение Древним Египтом.

Новые тенденции в живописи начала 1920-х гг., такие как фовизм, футуризм и кубизм, также оказали влияние на ди­зайнеров 1920-1930-х гг. А появление новых технологий и материалов, особенно пластмасс, внесло существен­ный вклад в создание охватившего весь мир художественного стиля, для которого были характерны экзотические, сильно стилизованные украшения, приверженность к ясным геометри­ческим формам, простым и чистым линиям, гладкой и блестящей по­верхности.

Этот стиль нашел свое воплощение в архи­тектуре, ювелирных изделиях, мебели, тканях, керамике - фактически во всех областях прикладного искусства. Мебель перестали покрывать украшениями и отказались от темного колорита. Вмес­то загроможденных помещений XIX в. в комнатах появились большие свободные площади, мебель стала проще и ее изготавливали промышленным спосо­бом из светлых пород древесины. Окраска стен и тканей тоже стала светлее, одежда и ювелирные украшения привлекали своей простотой и вы­зывали чувство стремительности и бескомпромиссной современности.

На дизайнеров ар деко влияло очень много факторов, и это означало, что трудно было найти два одинаковых предмета, а атмосфера радостного эксперимен­тирования превратила коммерческие изделия того времени в объекты коллекционирования. Подписанные авторские произведения, например, статуэтки из бронзы или золота и слоновой кости, сейчас стоят дорого и ценятся очень вы­соко.

До сих пор искусствоведы не могут ответить на воп­рос, кто был родоначальником стиля модерн, но считается, что он возник в начале 1880-х гг. благода­ря британскому движению «Искусство и ремесла».

Поначалу различие между художниками движения и их коллегами, ра­ботавшими в стиле модерн, заключалось в том, что последние уделяли меньше внимания социальным функци­ям своих работ. Для них на первом месте была форма, а не содержание. Художники считали, что могут свободно заим­ствовать идеи различных направлений, включая готику и японский стиль, создавать изделия экстравагантной фор­мы, притягивающие взгляд. Позже многие последователи стиля модерн нарушили табу движения «Искусство и ремес­ла» и обратились к промышленным способам производства.

Оформление Артуром Макмердо в 1883 г. титульной страницы его книги «Церкви города Ренна» стало большим шагом в становлении стиля модерн. В изображении фигур петухов, обрамляющих извивающиеся стебли растений, Макмердо развил мотивы природы, которые можно заме­тить в рисунках на ткани таких корифеев движения «Искусство и ремесла», как Уильям Мор­рис. Он выполнил узор из волнообразных извилис­тых линий, ставших впоследствии одним из главных отличительных признаков стиля модерн.

Под этим названием стиль упоми­нается в 1895 г., когда в Париже открылся магазин, в котором продавались произведения новых художников и ремесленни­ков. В их изделиях важное место занимали мотивы в виде стеблей растений, листьев, цветов, павлиньих перьев, а так­же абстрактные узоры из плавных кривых линий. Хотя стиль модерн сначала появился в графике, его идеи - пре­обладание плавных линий, элегантная асимметрия и декоративные мотивы, подсмотренные у природы, - вско­ре получили воплощение в декоративно-прикладной области: в мебели, изделиях из стекла, ювелирных издели­ях, керамике и даже в архитектуре.

В Германии на пике популярности стиля модерн (1896— 1900) в основе орнамента находились довольно безжизнен­ные цветы и фигуры; позже под влиянием дизайнера Чарлза Рени Макинтоша из Глазго орнамент стал более геометри­ческим.

В целом, антиквариат в стиле модерн достаточно разнообразен и представляет собой материал для широкого исследования любителями старины

Хотя еще со времен античных Греции и Рима сохранились куклы из дерева, терракоты, ткани и слоновой кости, для большинства коллекционеров история кукол начинается в XVIII в., когда во всех странах Европы эти игрушки вырезали из дерева. Некоторые из них выглядели реалистично с хорошо выдержанными пропорциями фигур. Они не предназначались для забав, а играли роль миниатюр­ных манекенов. Модельеры посылали их королевским придворным и в американские салоны, чтобы тамошние дамы могли поз­накомиться с последней модой. Позже прилегающие наряды стиля ампир потребовали кукол с гибкими фи­гурами, и в Германии резчики начали делать их с конечностями на шарнирах. Для игр в XVIII в. и начале XIX в. использовали более простые куклы с фигурами, похожими на кегли, с не­подвижными руками и ногами. Головы вырезали из дерева или лепили из гипса, а волосы и черты лица нано­сили краской.

Во Франции для изготовления кукол стали использовать неглазурованный фарфор. Вскоре ему научились придавать нежный телесный цвет. Во второй половине XIX в. из фарфора делали голову и плечи, а также нижние части рук и ног. Остальное представ­лял собой футляр из белого или светло-розового полотна или кожи, набитый опилками.

Французские кукольные мастера придумали делать тело игрушки из «композитного» материала, состоявшего из мягкой смеси клея, смо­лы и отбеливателя, нанесенного на проволочный каркас и при высыхании становившегося твердым. Вскоре это новшество переня­ли и их немецкие конкуренты. Деревянные шаровые шарниры устанавливали на локтях, плечах, бедрах и коленях, и конечности скрепляли резинкой. При новой технологии стали ненужными плечи из фарфора, и в 1880-х гг. обычна практика делать на шее кольцевой ободок и устанавливать голову в выемку торса, так что она могла вра­щаться.

В 1860-1870-х гг. французы благодаря фарфору смогли придавать лицам кукол более естественное выражение. Немцы тут же скопиро­вали технологию и внедрили ее в массовое производство. Стеклянные глаза, проколотые уши и парики из человеческих волос или мохера помогли придать куклам сходство с людьми. Игрушки покупали с уче­том выражения лица. Вскоре к глазам стали крепить противовес, и при опрокидывании куклы навзничь у нее закрывались глаза. У большин­ства из них был слегка приоткрыт рот и видны нарисованные или приклеенные передние зубы. Куклы со сжатыми губами выпускали в меньших количествах, поэтому они сейчас ценятся больше.

В целом французские куклы имели более высокое качество, чем не­мецкие. Они, как правило, были более тщательно и модно одеты, у них были пышные волосы; признаком высшего качества являлись длинные локоны, поскольку и человеческие волосы и мохер были дорогим ма­териалом. К концу столетия ведущие производители кукол Жюмо, Руле и Декам, а также Леон Казимир Брю во Франции и такие немецкие фир­мы, как «Братья Хеубах», «Саймон и Холбиг», «Куно и Отто Дрессель» и «Кестнер», ставили на своих изделиях (обычно чуть ниже шеи) рель­ефный фирменный знак и номер модели. Головы французских кукол того времени помечались буквами SFBJ, составлявшими аббревиатуру названия Французского общества производителей товаров для детей.

В первой половине XIX в. кук­лы изображали взрослых женщин, но покупателям больше нравились куклы в виде ма­леньких девочек, и те стали обычным явлением к концу столе­тия. В начале XX в. куклы-малышки доминировали на рынке, и так про­должалось до появления после Второй мировой войны нарядно одетой Барби.

В Германии в начале XX в. ку­кольные дизайнеры, которым надоели куклы с безразличным вы­ражением лица, начали делать головки с нахмуренными, обижен­ными и грустными личиками, постепенно воспроизведя практи­чески все детские эмоции. Первой куклой «с характером» была модель Каммера и Рейнхардта под номе­ром 100, которая также имела сгибающиеся конечности. Ее успех вдохновил других производителей, Каммер и Рейнхардт продолжили дело, давая при этом каждой новой кукле имя. Эти изделия стали заветной мечтой коллекционеров немецких кукол. Другие фирмы, в том числе братьев Хеубах, которая сделала больше, чем остальные, характерных кукол, производили и неевропейские персо-­нажи из черного и коричневого фарфора.

Для коллекционера кукол имеют значение не только привлекательная внешность и идентификационный номер, но и подлинная одежда. Французских кукол одевали по последней моде, но большинство кукол на переломе веков продавали в простых хлопчатобумажных платьях или ночных рубашках, а на голове у них были шляпа или чепчик.

Многие коллекционеры специализируются на детской или взрслой моде определенного периода. Подлинные кукольные костюмы увеличивают ценность экземпляра, но требуют больше внимания. Например, их нужно беречь от солнца, чтобы не выцветали краски, не расходились швы и не рвалась материя. Шелковые и атласные вещи нельзя стирать. Если кукольный костюм требует ремонта, можно сшить для куклы новую одежду, но старую не стоит выбрасывать и нужно хранить ее вместе с куклой. Ткани и фасоны того или иного времени можно купить в специализированных магазинах.