Любовь к четким геометрическим формам заметно проявилась в керамических изделиях, появившихся во Франции и Англии между двумя мировыми войнами. Влияние ар деко на гончарное искусство сначала сказалось во Франции, где работали два выдающихся мастера 1920-х гг. Эмиль Декур и Эмиль Ленобль. Свои фаянсовые, керамические и фарфоровые из­делия Декур украшал геометрическим или растительным узором, а на светлую подглазурь часто наносил пятна темной поверхностной гла­зури. В целом же его предметы посуды имели традиционную форму. Ленобль был более смел и раскрепощен. Свои произведения он также украшал растительным или абстрактным узором, но они были покры­ты яркой глазурью с прожилками, подобной тем, которые использовали корейские гончары. Сильно стилизованные изображе­ния имели форму низкого барельефа или вырезались в дополнительно наложенном слое глины.

Выставленная на Парижской выставке 1925 г. новая французская керамика произвела неизгладимое впечатление на Кларис Клифф (1899-1972), родоначальницу стиля, получившего в Лондоне ее имя. В 1928 г. в мас­терской «Уилкинсонский Нью порт» она создала первую линию столовой керамики ар деко, которую дизайнер назвала «Причудливой» (Bizzarre). Эта и другие линии «Фантастичная», «Бонжур и «Крокус» содержали как предметы традиционной, так и радикально новой формы. Посуда Клифф имела огромный успех в течение 1930-х гг. и недавно вновь попала под пристальное внимание знатоков, что сильно увеличило ее цену.

Угловатая форма ручки и носика кувшина, изображенного на фото, а также яркая желто-оранжево-черная гамма типичны для творчества Кларис Клифф. Она обычно украшала свою посуду простыми пейзажами, цветами или геометрическим орнаментом.

Стаффордширские гончары начали делать статуэтки в конце XVIII в. Это была попытка создать дешевую альтернативу доро­гим фарфоровым статуэткам, изготовляемым в странах континентальной Европы, например в Мейсене. В 1775 г. стали добы­вать высококачественный корнуэльский каолин, и в это же время появился более совершенный гипс, или «парижская штукатурка», для изготовления форм, и все это позволило производить статуэтки в боль­ших количествах. Популярные образцы копировали, делали формы, используя в качестве модели готовые фарфоровые фигурки, - такая практика существует и поныне, - поэтому зачастую очень трудно отличить старинную вещь от современной подделки. Тем не ме­нее статуэтки и другие небольшие керамические вещицы привлекают многих кол­лекционеров.

В Викторианской Англии эти маленькие, вручную раскра­шенные керамические фигурки были настоящей манией. Состоятельные люди украшали ими каминные полки, приоб­ретали для гостиных, детских, кухонь. Простые по форме (зачастую у них была плоская неокрашенная задняя поверх­ность) статуэтки отличались искусной лепкой. Сюжеты варьировались от исторических персонажей до обыденных сценок. Незменно пользовались популярностью фи­гурки животных: овечек, лошадей, собак самых различных пород.

Излюбленными животными у стаффордширских мастеров были спаниели короля Карла, и их изготовляли в огромных количествах. Ранние статуэтки (1850-1875) раскрашивали в ржаво-красный цвет. Позже у фигур оставляли необработанной тоскую заднюю поверхность и красили в коричневый и, после 1880-х гг., черный цвета. Изображенная здесь статуэтка отличается очень высоким качеством.

Изделия из голландского и английского фаянса легко разбива­лись. Это было их существенным недостатком, поскольку столовая посуда должна быть прочной. Джозайя Веджвуд раз­работал особый состав глины и делал покрытые свинцовой глазурью чашки и тарелки высокой прочности. Этот состав называли «сливоч­ной керамикой». Позже он разработал «жемчужную керамику» белого цвета, которую было легко обжигать и покрывать росписью. Посуда Веджвуда стала очень популярной в 1760-1780-х гг., и позже ее на­чали называть «королевским фарфором». Веджвуд также изобрел «бамбуковую» керамику, из которой иногда лепили вазоч­ки в форме стволов бамбука, а в 1767 г. изготовил керамическую массу, известную под названием «черный ба-­зальт», которую можно было резать и полировать.

Основным вкладом Веджвуда в историю гончарного дела стала керамика, которую теперь называют в его честь «веджвудом». Глазурованные изделия часто украшены белыми рельефными фигурами на голубом, светло-зеленом, желтом, сиреневом или черном основании. Цвет получают окрашиванием или добавлением грунтовки. Многоцветные изделия получают окунанием окрашенного предмета в краситель другого цвета. Потом в границах рисунка изделие полируют, пока не снимут весь слой краски. Для лепки фигур используют небольшие алебастровые формы. Готовые фигуры накладывают на нужное место, после чего изделие обжигают. Изображения могут быть вырезаны в виде геммы.

Веджвуд начал экспериментировать с керамикой в 1770-х гг., а лучшие его произведения появились в 1780-х гг., когда он привлек многих знаменитых английских художников, в частности Флаксмена и Стаббса, для разработки классических барельефов.

В начале 19 века, в эпоху стиля бидермейер, немецкий фарфор снова стал очень популярным благодаря прекрасным изделиям Императорской фабрики в Вене и Королевской фарфоровой мануфактуры в Берлине. Этот неоклассический стиль был характерен простыми чистыми линиями, и, хотя первоначально выпускаемая посуда предназначалась для прямого использования, в последующем фабрики перешли на выпуск парадных сервизов, которыми можно бы­ло любоваться, но не есть и пить из них. Кроме того, оформление становилось все более роскошным. На предметах посуды очень тща­тельно изображали городские и сельские пейзажи, сцены из деревенской жизни и классические развалины, а также птиц, цветы и даже целые букеты, и все это на фоне богатой позолоты. Часто в ми­ниатюре воспроизводились знаменитые произведения живописи.

Для Венской фабрики была типична роспись с изображениями цветов и обильная позолота, которую наносили механическим способом. Иногда часть изделия оставляли без росписи, чтобы была видна белизна фарфора, иногда позолотой и росписью покрывали чашку и блюдце целиком. Венская чашка, изображенная справа на картинке, была изготовлена в 1825 г. Продукция Берлинской мануфактуры (две чашки слева) не менее восхитительна, и сплошная позолота разнообразится цветными полосами с орнаментом. Иногда позолоту в виде узора наносили на белый фарфор.

Коллекционирование керамических чайников привлекательно тем, что их можно покупать по отдельности за умеренную цену, тогда как коллекционерам чашек зачастую приходится оплачивать целые наборы. Кроме того, выставленные чайники укра­шают интерьер помещения. Они очень сложны в изготовлении: носик и ручку вылепляют отдельно и за­тем прикрепляют к корпусу. Отдельно делают и крышку, и она должна точно подходить по размеру к верхнему отверстию. По­этому старинные чайники представляют собой пример высокого мастерства гончаров. Чайники делали разных размеров и в разных стилях, использовали для них различные глазури и виды украшений, что позволяло гончарам в полной мере проявлять свой вкус и фантазию. Многие следовали образцам традиционных металличе­ских чайников. Другие же, особенно к концу XIX в., восприняли японскую моду, и стали появляться изделия необычной формы, как правило, изготовляемые из майолики.

В 1920-1930 гг., в период господства стиля ар деко, чайники украшали лепными изображениями, поэтому они выглядели грубовато, а фантазия художников не знала предела. «Оригинальные» чайники имели форму ге­-роев детских стихов, например, Шалтая-Болтая или мультипликационных персонажей вроде Дональда Дакка.

Изображенный на картинке чайник в восточном стиле с ручками, имитирующими ветви бамбука, создан Кристофером Дрессером (1854-1904)- чьи произведения в различных материалах (керамике, серебре, тканях) имели большое влияние на современников. Он считал, что форма и назначение изделия должны быть связаны и что у изделий массового производства может быть хороший дизайн.